Работы этого уникального по своему таланту мастера пронизаны теплым светом красок и мягкостью кисти. Автопортрет подкупает непосредственностью и простотой, он будто нарисован быстро, при этом образ очень запоминается. В любой жанр, в котором начинал творить Фабрициус, он привносил новые решения и приемы. В 1654 живописец создал еще один автопортрет, в нем меньше влияния Рембрандта и больше сочных, живых красок (1654, Национальная галерея, Лондон). Художник трагически погиб в 32 года. Владеть его произведениями — большая честь для любого музея.
Данная работа принадлежит Эваристо Баскенису — итальянскому художнику XVII столетия из Бергамо. Он — самый известный представитель династии мастеров, которая вела свою родословную с начала XV века. В мировую историю искусства Баскенис вошел как автор символических натюрмортов с изображением музыкальных инструментов.
Подобная тематика была нетипична для итальянской живописи, интерес художника к ней объясняется тесной дружбой со знаменитой семьей изготовителей виолончелей. Очевидно также влияние нидерландского искусства, голландских натюрмортов, где инструменты были частью жизни человека, его быта, поэтому на полотнах они вместе с другими живыми и неживыми предметами означали божественный порядок жизни. Художник видел привлекательность музыкальных инструментов в их совершенной геометрической форме, они — шедевры человеческого мастерства. По общему признанию искусствоведов, автор не писал натюрморты — аллегории с моральным подтекстом, как это делали голландцы. Больше всего его интересовали благородство линий и красота фактур. Баскенис считается одним из первых творцов-новаторов, которые изображали предметы ради чистого художественного удовольствия, а не сюжета. Работы мастера выделяются утонченным эстетизмом, особой атмосферой, образованной при помощи орнаментальной геометрии линий изысканных, тщательно выделанных деревянных корпусов. Композиция из инструментов, книг и скульптур представляет своего рода культурный мир человека, возвышающийся над природой и низкими естественными потребностями.
Нидерландец Герард Доу несколько лет учился у великого живописца Рембрандта. Он принадлежит к кругу так называемых малых голландцев. Это целый ряд мастеров XVII века, которые создавали картины небольшого размера для горожан — любителей и коллекционеров искусства. Они предназначались для украшения гостиных, поэтому самыми популярными темами были жанровые сценки и натюрморты. В те годы Доу являлся одним из самых высокооплачиваемых художников.
Популярность и успех его произведениям принесли, как можно видеть на примере данной картины, хорошо аранжированная композиция, внимание к мелким деталям быта, мастерство обобщения человеческих характеров. Технически Доу пользовался живописным арсеналом приемов, которые были разработаны в итальянском искусстве. Он усилил их голландской тщательностью обработки фактуры. Художник рисовал тонально, со множеством колористических переходов, очень мягко, используя сдержанную, благородную цветовую гамму.
На стиль одного из главных жанристов Нидерландов, Герарда Терборха, решающее влияние оказали его предшественники — мастера национальной голландской школы Питер Кодде и Виллем Дуйстер. Живописец создавал множество жанровых полотен, где центральное место отведено людям, занятым каким-либо делом. Терборх предпочитал темный фон и эффекты контраста, основанного на освещенности фигуры.
Пряха, женщина средних лет, изображена в традиционной одежде и с принятой тогда прической. Она вся погружена в работу, художник не дает каких-либо психологических характеристик этого человека. Героиня для него — лишь тип, расхожий образ женщины, судьба которой — занятие домом, бытом и ремеслами. На коленях у нее собачка — это и милая деталь будничной жизни, и символ верности. Колорит, как было свойственно голландским мастерам XVII века, сдержанный. Терборх много работает коричневым цветом. Светлая опушка одежды и лицо пряхи служат композиционными акцентами.
